Ich möchte auf den Vortrag von Paul Klee von 1924, gehalten anlässlich der Eröffnung einer Ausstellung moderner Kunst im Museum Jena (Über die moderne Kunst”, Benteli-Verlag, Bern) verweisen, der ganz in diesem - und ich nehme an, auch in Ihrem - Sinne ist und auf anschauliche Weise auf den Entstehungsprozess eines Kunstwerkes unter Berücksichtigung der kulturellen Quellen sowie den schöpferischen Akt eingeht.

Ich habe das Gefühl, dass die echte Kreativität mit dem Zeitgeist Hand in Hand geht (Händchen hält)

Das ist spätestens ein höchst heikler Satz, wenn man ihn auf die Zeit des Hitlerfaschismus, sowie doktrinärer politischer Systeme überhaupt anwendet. Wiederum ist “ob nicht in 500 Jahren ein wahrhaft grosses künstlerisches Werk aufgrund von einem Rammsteinsong geschrieben wird” eine These, die ich sofort unterschreiben würde; worum es hier in der Diskussion aber geht, ist die Frage, ob der Rammsteinsong-selbst bereits Kunst ist. Das würde ich strikt verneinen, und zwar auch gerade w e g e n des Zeitgeistes. Oft ist es sogar so, daß Kunst dem Zeitgeist gerade vorausläuft, und zwar das in einem Sinn, den Ralf Schnell einmal auf den Punkt gebracht hat: “Avantgarde ist Retrogarde” - sie tendiert nahezu immer zu Regressen, die sie allerdings verarbeitend vollzieht - das geht in Sprüngen, nicht stetig. Ich will in meinen Heidelberger Vorlesungen bewußt darauf eingehen. Aktualität insgesamt scheint mir weniger eine ästhetische Kategorie, als vielmehr ein Fetisch zu sein, der sich der kapitalistischen Bewußtseinsindustrie ver”dankt” - aus Gründeren schnelleren Absatzes. Die wirklich-aktuellen Themen sind Menschheitsthemen, d.h. sie sind uralt: Schmerz, Hunger, Durst, Liebe, Sexualität, Einsamkeit. Das, in der Tat, “bearbeiten” die U-Künste oft direkter als die E-Künste, weshalb ich glaube, daß sich die E-Künste diesem Umstand wieder bewußt machen müssen. Spätestens mit der Postmoderne (nicht aber seit dem, was ich einmal “ihr deutsches Mißverständnis” nennen möche) hat sie das auch getan. Über die “Qualen” des 40-Stunden-Arbeitstages zu schreiben hingegen und die zivilisierten Leiden eines mittleren Angestellten, ist ziemlicher Unfug - das sollte man den Gewerkschaften übelassen. Ein Anderes wäre es, man transzendierte diese Leiden zu einem Allgemeinen-Menschheitlichen und fände ihnen eine Parabel, die zugleich scharf-konkret ist - etwa wie Kafka es geschafft hat, aber auch Beckett. Dazu bedarf es gerade der Ent-Individuation, also dem genauen Gegenteil dessen, was derzeit der narrative mainstream tut.

Und schließlich ist “die Begegnung mit der eigenen Kreativität als künstlerischer Quelle” eine persönliche Angelegenheit, zweifellos wichtig, aber doch wohl eher eine soziale, selbstsoziale Erfahrung und hat mit Kunst wenig zu schaffen. Es geht in Kunst n i c h t - jedenfalls nicht in vorderster Linie - um so etwas wie Selbsterfüllung und/oder Selbsterfahrung. Anderes anzunehmen ist eine demokratische Sentimentalität. Allerdings g i b t es die Kunst der Bratkartoffeln, und das ist wirklich nicht die schlechteste. Pop fügt nur den Bratkartoffeln kellenweise Zucker zu… d a liegt das Problem. Kunst vielmehr - e n t z u c k e r t. Auch von “Befindlichkeiten” der rezipierenden Subjekte.

Die Archetypen zehren nicht von Erkenntnis, sondern davon, unerkannt zu bleiben.

Für mich kein Satz des Glaubens. Die Archetypen oder Urbilder sind so wenig fassbar wie der Begriff als solches. Lediglich die individualisierte Form, die Vorstellung, ein mehr oder weniger gelungenes Bild ist möglich. Rückschluss ja, wie bei einem hypothetischen Konstrukt (wobei ich jetzt nicht gesagt habe, dass die Archetypen hypothetische Konstrukte sind), volles Erfassen nein.

Zur Kultur: Kultur ist etwas Lebendiges. Es wird immer Fremdeinflüsse und Rückbesinnung auf die Wurzeln geben (Sinus und Cosinus der Kulturentwicklung). Wir haben die besten Beispiele in der Klassik und in der Romantik. Ausserdem haben wir immer das Gros der Bevölkerung und die gebildete Elite. Das sind Facts. Wir haben den Zeitgeschmack. Wir haben “ästhetische Bedürfnisse”, denen bestimmte Kunstformen mehr oder weniger gerecht werden. Und wir haben die “Kläranlage Zeit”, die vieles herausfiltert und zu allen Zeiten herausgefiltert hat.

Wir haben das alles aber auch in uns selbst: Manchmal habe ich Hunger auf Bratkartoffeln und dann ist mir der Kaviar egal. Manchmal brauche ich Rod Stewart, dann wieder will ich Dvorak oder Alban Berg - wenn ich auf mich höre, wenn mein verbildetes Über-Ich diese Kunst noch erlaubt.

Wichtiger als der Mantel des gebildeten Menschen - der nicht jedem passt und einigen zu gross ist - ist für mich die Begegnung mit der eigenen Kreativität als künstlerischer Quelle. Ohne diese Begegnung müssen wir gar nicht über all das andere reden.

Wer sagt uns, ob nicht in 500 Jahren ein wahrhaft grosses künstlerisches Werk aufgrund von einem Rammsteinsong geschrieben wird, genauso wie Strawinsky seine Pulcinella-Musik gefunden hat? Und warum soll jemand heute nicht Gefallen finden an einem ganz einfachen Lied, vielleicht nur an einem einzigen Akkord, oder an einem einzigen Ton? Vielleicht schliessen sich hier Welten auf, die sich nie aufschliessen würden, wenn man mit Stockhausen beginnen würde.

Jedenfalls tendiere ich im Moment sehr zur “Kunst im Taschenformat”. Und irgendwie glaube ich noch an etwas anderes: Ich habe das Gefühl, dass die echte Kreativität mit dem Zeitgeist Hand in Hand geht (Händchen hält), d. h. wer sich dort Einlass verschafft, der läuft auch der Zeit nicht hinterher, ist aktuell. Aber das ist nur so ein Gefühl und eine stille Erfahrung.

Angelika Pulfer

Der Punkt, an dem sich unsere Argumente kreuzen, liegt, meiner Beobachtung nach, in den Folgerungen, die daraus zu ziehen sind. Sie sprechen vom ‘Transzendieren’ des Zwecks, der Forderung des Alltäglichen, als gäbe es den Königsweg eines George in diese Regionen, zumindest klingt dies für mich an. Das ist der Weg der fordernden Moderne, die voraus schreitet zum Licht.

In dieser Hinsicht erlebe ich mich eher als Romantiker, wie der junge Schlegel (dem Alter nach müsste ich, wenn ich den megalomanen Vergleich fortschriebe, demnächst zum Ritter des Christusordens ernannt werden - höchst unwahrscheinlich). Das Licht ist da, darum muss ich mich nicht kümmern. Einzelne Funken zu erhaschen, ihnen mit Sprache gerecht zu werden, ist mir genug und bereits ein meine bescheidene Schöpferkräfte gehörig dehnendes Unterfangen.

Auf dieser Grundlage verstehe ich Ihr Streben. Es ist, in meinen Augen, das Streben eines Romanciers nach dem großen Wurf (ich habe Ihre Großerzählung in ‘Volltext’ gelesen). Als Lyriker werfe ich meine Angel eher nach (anscheinend) simplen Dingen aus, die nur manchmal so überfrachted daherborden wie ‘holy dam’. Ich achte die gewaltige Kunst der großen Architektur, und in einigen Werken macht sie mich aufmerken. Aber das, was ich suche, ist Sprache, so nah am Objekt, dass es leuchtet. Die Möglichkeiten, die mir die Aufhebung der U/E Scheidung, die Mannigfaltigkeit des ewigen Augenblicks der Posthistoire, dazu eröffnet, schätze und achte ich.

Daraus folgt eine andere Herangehensweise an Subjekt, Objekt, Wirklichkeit, die eher auf Inklusion abzielt (deshalb die obige Wiederaufnahme des Vampirvergleichs) und ergo eine andere Erkenntniswegschleife nimmt, ein, im Vergleich zu Ihrem Streben, eher mikroskopisches Schauen.

Daß wiederum die U-”Künste” ein enormes M a t e r i a l liefern - da wäre ich gewiß der Letzte, das zu bestreiten. Es scheint mir sogar so zu sein, als lieferten sie m e h r Material als die anderen Hoch-Kunstformen. Aber eben ein Material, das dann seinerseits wieder zu Kunst bearbeitet wird. Auch dies läßt sich am Beispiel der Musik gut zeigen, auch an dem neuerer U-Musik, etwa in der Entwicklungslinie des Jazz. Ganz ähnlich ist es, glaube ich, in der Literatur. Für denjenigen, den die Erlebnisse der Kunstranszendenz aber einmal erfaßt haben, ist die U-Musik (wie die U-Literatur) nicht mehr erfüllend, sondern schal. Das ist, wie so vieles, eine Auswirkung der Bildung des Ohres; man wird von bestimmten Dur-Dreiklängen geradezu beleidigt, hat man sich der Neuen Musik einmal überlassen und ist von ihr beglückt worden. Die Beschallung mit U-Musik kommt dann dem Leiden eines ausgebildete Gourmets gleich, den man zwangsweise von morgens bis abends mit Butterceme vollstopft.

Nun ist es so, dass ich diese Trennung nicht vollziehe, da ich sie als Hemmschuh betrachte, der meine Ausdruckskraft stolpern ließe. ‘Gebrauchstexte’ liefern oft Material in formaler und manchmal sogar inhaltlicher Sicht, dem es nachzuspüren lohnt, nachzuformen. Ich mag mich dem 1000-Watt-Strahler des reinen Intellekts nicht bedingungslos hingeben, das wird weder der Sprache noch den Bildern gerecht, die es zu gestalten gilt.

Es ist wohl eine Frage des Kairos, der Zielrichtung.

Zur Formensprache des Romans: Es ist eine Ungeuheuerlichkeit, die internationale Moderne derart auszublenden, auch den deutschsprachigen Anteil daran. Ist es nicht AUCH ein Kennzeichen unserer postmodernen Zeiten in den Geisteswerken das Progressive durch das Kannibalistische ersetzt zu haben, den Fortschritt durch die Drehung um die Achse der (vampiren ausgebeuteten) Darstellungsobjekte?

So interessant sich die obigen Ausführungen lesen, so wenig scheinen sie mir in die Brust unserer Zeit zu weisen. Das kulturelle Gedächtnis sorgt in einer lebendigen Kultur für sich selbst, die archetypen zehren nicht von erkenntnis, sondern davon unerkannt zu bleiben. Ist das nicht die alte Grenzlinie zwischen Kritiker und Schöpfer? Ihr Überschreiten war modern. Wir aber, jetzt, haben die Freiheit, blind zu wandeln.

Adorno hat “die Beziehung auf die traditonellen Kategorien” deshalb als unumgänglich erkannt, “weil allein die Reflexion jener Kategorien es erlaubt, die künstlerische Erfahrung der Theorie zuzubringen. In der Veränderung der Kategorien, die solche Reflexion ausdrückt und bewirkt, dringt die geschichtliche Erfahrung in die Theorie ein. (…) Von der aktuellen künstlerischen Erfahrung her (…) legitimiert sich der Rekurs auf die traditionellen Kategorien, die in der gegenwärtigen Produktion nicht verschwinden, sondern noch in ihrer Negation wiederkehren.

Erfahrung terminiert in Ästhetik: sie erhebt zu Konsequenz und Bewußtsein, was in den Kunstwerken vermischt, inkonsequent, im Einzelwerk unzulänglich sich zuträgt. Unter diesem Aspekt handelt auch nichtidealistische Ästhetik von ‘Ideen’.”

(Ästhetik, S. 393)

Genau diese Haltung unterscheidet einen Künstler von einem Missionar.

Oha, das ist ein grosser Satz, den ich erst einmal bedenken muss…

In MEERE, h i e r komplett abgedruckt, gibt es dazu die (hier um einen Absatz gekürzte) folgende Stelle:

Kunst verwandelt Vampire in Erinnerungen. Deshalb, Irene, erlöst sie. Dennoch mußte Fichte immer gleich ans nächste Bild. Denn sie erlöst den Betrachter, nicht den Künstler, nicht, wenn er gebissen wurde wie Fichte. (…) Künstlerisch tätig sein, bedeutet zu graben, Vampire auszugraben. Kunst ist Archäologie. Die gefährlichsten Vampire sind die ältesten Gründe.

Oft wissen wir nicht, was wir dem anderen “entdecken”, sehr oft auch, wenn wir das Entdeckte selbst bemerken, w o l l e n wir das so gar nicht entdeckt haben. Da setzt das persönliche Problem ein, von dem ich meine, daß es sich nur über die Form lösen läßt: ist etwas ihr Ergebnis, ob es mir schmeckt oder nicht, bleibt es stehen und wird zum weiterzuverarbeitenden Material. Genau diese Haltung unterscheidet einen Künstler von einem Missionar.

Andererseits i s t die komplexe Form wahrnehmbar, auch die tradierte. Sie muß nur erst einmal den Empfänger erreichen. Und er muß den W i l l e n haben zuzuhören.

Danke für diese Präzisierung. So verstehe ich dann auch, warum Sie die Verbindung zum Markt zwangsläufig sehen.

wenn Sie “Kommunikation” darauf runterbrechen, daß man sofort verstanden wird, unterschätzen Sie eines d e r kommunikativen Antriebe sehr: das des - Geheimnisses.

O, nehmen Sie mich da in meinen debattendienlich vereinfachenden Aussagen nicht zu wörtlich. Selbstverständlich kommt es nicht auf das sofortige Verstandenwerden an. Dann bräuchten wir Lyrik ja gar nicht erst machen, sondern müssten die Werbespots für die Kunst domestizieren. Nein, das Geheimnis muss sein. Es darf freilich das dem anderen Ent-Deckte nicht überwiegen. Aber davon war ja hier nicht die Rede.

Andererseits i s t die komplexe Form wahrnehmbar, auch die tradierte. Sie muß nur erst einmal den Empfänger erreichen. Und er muß den W i l l e n haben zuzuhören. Zum Begriff des Kunstwillens, aus dem 19. Jahrhundert stammend, gehört ein Rezeptionswille, der der Neugier eines gut vergleichbar ist, den Zusammenhänge der Natur interessieren und der sich deshalb den oft mühseligen Strapazen der Aneignung naturwissenschatlicher Verfahren unterzieht - und auch dem nur allzu oft schmerzhaften Training, das Sportler gute körperliche Leistungen erzielen läßt. In all diesen und ähnlichen Disziplinen ist, daß man Schwierigkeiten zu überwinden hat, den meisten Menschen selbstverständlich. Von der Kunst aber scheint erwartet zu werden, daß sie sofort eingängig sei. Und damit sind wir wieder in der Ökonomie. Da dem Kunstbegriff nach und nach der des Entertainments, also freizeitlichen Konsums unterschoben worden ist, mit dem er eigentlich gar nichts zu tun hat (vielmehr war er über Jahrhunderte an Handwerk und in der einen und/oder anderen Form an den meist religiösen Ritus gebunden), fällt auch der Arbeitsbegriff.

daß das verkümmerte Rezeptionsorgan sich regeneriert…

Verzeihen Sie, aber s o verkümmert ist es ja nicht. Es werden nur Tausende Deckel draufgehalten und Watte reingestopft, damit es ja auch ruhig ist. Im übrigen stehen meines Wissens noch runde Zweidrittel des Gehirns frei zur Verfügung…

Und schließlich, wenn Sie “Kommunikation” darauf runterbrechen, daß man sofort verstanden wird, unterschätzen Sie eines d e r kommunikativen Antriebe sehr: das des - Geheimnisses. Sie werden aus Ihrer eigenen Arbeit die Momente kennen, in denen sie selbst Ihnen selbst eines ist. Dann verspüren Sie einen Schauer, ganz körperlich und sehr intensiv.

Mich interessiert hier nicht die Frage des Marktes. Mich interessiert, ob ein Stilmittel beim Adressaten wirken kann. Denn ich verstehe Dichtung noch immer als Kommunikation.

Der Angesprochene muss die Sprache des Sprechenden verstehen, damit der Sprecher ihn erreichen kann. Und ich fasse hier den Begriff der Sprache einmal weiter im Sinne von Gesamtinstrumenentarium des dichterischen Ausdrucks, zu dem ja die angesprochenen Versmasse gehören. Wenn das verwendete “alte” Instrument nicht der Kommunikation dienen kann - und genau das beklagen Sie ja - welche Funktion hat es dann noch?

Eine philosophische? Eine Because-I-Could-Funktion? (Und ich stelle diese Frage insbesondere vor dem Hintergrund, dass die Meisterung dieser Stilmittel ja aufwändig ist, gelernt sein will und oft auch einengt.)

Im übrigen ist große Kunst in den allerseltensten Fällen von den Zeitgenossen, das meint signifikant zahlreiche Gruppen, als das, was sie ist, gesehen worden - nur weniges später steht man dann, ist das Widerständige der Kunst eliminiert, nach Tausenden in Schlangen vor der MoMA Berlin.

Wollte man darauf spekulieren, müsste man daran glauben, dass das verkümmerte Rezeptionsorgan sich regeneriert. Besteht da Hoffnung?

Da gilt wohl Mahlers Satz, daß ein Künstler niemals, nicht bis über seinen Tod hinaus, wisse, ob er Kunst geschaffen habe.

Das ist tragischerweise sehr wahr gesprochen.

Im übrigen ist große Kunst in den allerseltensten Fällen von den Zeitgenossen, das meint signifikant zahlreiche Gruppen, als das, was sie ist, gesehen worden - nur weniges später steht man dann, ist das Widerständige der Kunst eliminiert, nach Tausenden in Schlangen vor der MoMA Berlin.

Das behauptet jetzt nicht, daß etwas, das das Gehör der Menge n i c h t erreicht, schon deshalb Kunst s e i. Da gilt wohl Mahlers Satz, daß ein Künstler niemals, nicht bis über seinen Tod hinaus, wisse, ob er Kunst geschaffen habe. Die Unsicherheit bleibt.

All das, woran Sie sich erinnern und woran Sie sich bedienen, um es abzuschmecken und auf Wieder-Einführbarkeit zu testen, hatte nun in den originalen Zeitzusammenhängen eine völlig andere Bedeutung. Ich beziehe mich hier gern auf eine Debatte, die Raoul Schrott gerade aus Anlass seiner Neuübersetzung bzw. Nachdichtung der “Ilias” in “akzente” führt. Die Versmasse der antiken Dichtungen waren 1) der Sprache angemessen, in der sie verwendet wurden; und sie trafen 2) die Hörgewohnheiten des Publikums.

Vor diesem Hintergrund wäre es eher analog, wenn wir heute unsere Rhythmen aus der Techno-Musik beziehen würden. Die Wiedereinführung solcher vergessener Stilmittel kann ihnen m. E. nie wieder die Funktion zuspielen, die sie in ihrer angestammten Zeit ganz automatisch hatten. Die Gefahr besteht demnach - und ich schreibe bewusst GEFAHR - dass der Versuch entweder unentdeckt bleibt, weil dem Leser/Hörer das Rezeptionsorgan dafür nicht gewachsen bzw. verkümmert ist, oder aber dass die Methode als rein artistisches Unterfangen dasteht.

Wenn ich die Stilmittel nicht rechtfertigen kann wegen ihres Wirkungspotentials, was bleibt dann noch als Argument für ihren Einsatz? Und: Müsste man nicht tatsächlich Stilmittel finden und kultivieren, die das heutige (wenn auch verkümmerte) Rezeptionsorgan eines Lesers/Hörers erreichen?